Сергей Васильевич Рахманинов

20 марта (1 апреля) 1873 года в дворянской семье родился Сергей Васильевич Рахманинов. Долгое время местом его рождения считалось имение родителей Онег, однако в последнее время чаще упоминается усадьба Семеново, находящаяся на территории Старорусского уезда Новгородской губернии.

Род Рахманиновых, скорее всего, берет начало от молдавских господарей Драгош, основавших Молдавское государство. Во время их двухсотлетнего правления один из господарей, Стефан Великий выдал одну из дочерей замуж за короля Польши, а другую – за наследника Иоанна ІІІ Ивана Младого. После смерти Стефана его сын Иван переехал с семьёй в Москву предположительно в 1490-1491 году. Когда его сестра Елена овдовела, сын ее и Ивана Младого Дмитрий был объявлен как наследник Московского престола. Но из-за интриг Софии Палеолог Елена и Дмитрий попали в опалу, и их сослали в Углич. Позднее туда же сослали и брата Елены Ивана. От Василия, сына его, прозванного Рахманин, и начался род Рахманиновых.

Прозвище Рахманин, очевидно, происходит от названия мифического народа молдавских сказаний рахманов. К этому роду относился Иван Фёдорович Рахманинов, переводчик, который впервые перевел Вольтера на русский, а также Иван Иванович Рахманинов, имевший звание профессора в Киевском университете.

Родители композитора были музыкантами-любителями, поэтому сам Рахманинов увлекался музыкой уже с четырех лет – учился игре на фортепиано у матери. В 9 лет Сергей стал обучаться на фортепианном отделении консерватории Санкт-Петербурга. В 1888 год продолжил обучение в Московской консерватории.

Детство Рахманинова прошло в частном пансионе Николая Зверева. Воспитанника этого музыкального педагога помимо Рахманинова были А.Н. Скрябин, А.И. Зилоти, К.Н. Игумнов, А.Н. Корещенко, М.Л. Пресман и многие другие. Именно здесь в 13 лет юноша познакомился с П.И. Чайковским, который потом оказалось огромное влияние на его жизнь.

В 19 лет Рахманинов закончил консерваторию у А.И. Зилоти как пианист и также как композитор, получив большую золотую медаль. В этом возрасте он успел написать свою первую оперу под названием «Алеко», по мотивам произведения А.С. Пушкина «Цыганы» - это была его дипломная работа. Также его творчество уже тогда насчитывало несколько романсов и пьес для фортепиано, в том числе и прелюдию до-диез минор, которая в дальнейшем стала одним из известнейших произведений Рахманинова.

Нехватка денег стала причиной того, что в 20 лет Рахманинов стал работать преподавателем в Мариинском женском училище в Москве. В 1897 году он занял должность дирижера Московской русской частной оперы, бывшей под руководством Саввы Мамонтова. Там он работал всего один сезон, однако за этот период он сделал существенный вклад в развитие жанра русской оперы.

Рахманинов стал популярным чрезвычайно рано как для композитора, пианиста и дирижера. Но его расцвет творческой деятельности внезапно прекратился с премьерой Первой симфонии 15 марта 1897 года. Она окончилась полнейшим провалом из-за неудачного исполнения, а также из-за новаторских идей в музыке, которая на тот момент опередила свое время. А.В. Оссовский также полагал, что вина частично лежала на дирижере симфонии Глазунове А.К., который руководил оркестром во время проведения репетиций. Все это привело к нервной болезни Рахманинова, в лечении которой ему в конце концов помог опытный психиатр Николай Даль. Однако за четыре года, в период 1897-1901 годов, Рахманинов так ничего и не сочинил.

Конец его душевного кризиса был ознаменован окончанием работы над Вторым фортепианным концертом в 1901 году. Спустя некоторое время он занял должность дирижера в Большом театре Москвы, и через два сезона принял решение отправиться в Италию попутешествовать (1906 г.) После путешествия Рахманинов задерживается на три года в Дрездене, полностью посвящая себя композиции. В 1909 году состоялось концертное турне Рахманинова по Канаде и Америке, где он выступал как дирижер и как пианист. Через два года композитор посетил Киев, где по просьбе коллеги и друга А.В. Оссовского прослушал еще тогда молодую певицу Ксению Держинскую. Оценив ее талант по достоинству, он в дальнейшем сыграл значительную роль в оперной карьере будущей знаменитости.

Когда состоялась революция 1917 года, Рахманинову пришло предложение из Швеции выступить в Стокгольме. Он его принимает и вместе со всей семьей покидает Россию. 15 февраля 1918 года Сергей Васильевич впервые выступил в Копенгагене. За весь сезон у него было одиннадцать симфонических и камерных концертов, что позволило ему расплатиться со своими долгами.

1 ноября того же года семья Рахманиновых отплыла в Нью-Йорк из Норвегии. И снова почти десять лет творческого кризиса, только в 1926-1927 году Рахманинов сумел написать Четвертый концерт и Три русские песни. В целом, за всю жизнь, проведенную за рубежом, а это период с 1918 по 1943 год, у него было 6 произведений, тем не менее, признанных вершинами не только русской, но и мировой музыки.

В конце концов, Рахманинова стали считать одним из самых величайших пианистов его эпохи. Последнее произведение, законченное в 1941 году – «Симфонические танцы» – было признано многими как величайшее. Во время Великой Отечественной Войны Рахманинов давал концерт в США, отправляя все вырученные деньги в фонд Красной Армии. Деньги за один из проведенных концертов он направил в Фонд обороны СССР, произнеся при этом свои слова о том, что он верит в полную победу.

В последние годы Рахманинов болел тяжелой болезнью – раком легких. И хотя он испытывал мучения, он продолжал выступать почти до самой смерти. 28 марта 1943 года он умер в Беверли Хиллз, Калифорния, Соединенные Штаты Америки.

Рахманинова часто называют «самым русским композитором». В этой лаконичной характеристике есть и объективные качества его стиля, так и результат его наследия в истории мировой музыки. Благодаря творчеству Рахманинова были объединены творчески принципы Петербургской («Могучая кучка») и московской (Чайковский) школ в русский единый национальный стил. Особенное характерное воплощение в творчестве композитора была тема «Россия и её судьба». Здесь он стал продолжателем традиций таких композиторов, как Римский-Корсаков, Мусоргский и Чайковский, а также сыграл роль связующего звена в непрерываемой цепи русской традиции (в творчестве Д. Шостаковича, Г. Свиридова, С. Прокофьева и др. это тема была продолжена). Особая роль Рахманинова также объясняется и историей – ведь именно революция, показанная в искусстве как «конец света» и «катастрофа», является смысловым преобладающим фактором в теме «Россия и ее судьба» (для более глубоко исследования можно обратиться к «Истокам и смыслам русского коммунизма», Н.Бердяев) .

Рахманинов писал в период «серебряного века» с характерным эпохе символизмом, проявившимся и в его творчестве. Мотивы-символы, особенно мотив хорала средних веков Dies Irae, символизировали предчувствие «конца света», катастрофы, «возмездия».

Также ему были свойственны и христианские мотивы – поскольку Рахманинов был глубоко верующим человеком, он во многие произведения воплотил христианские идеи, сделав этим бесценный вклад в русскую духовную музыку.

Эволюцию творчества Рахманинова, как правило, делят на три периода:

ранний (1889-1897)

зрелый (1900-1917)

поздний (1918-1941)

Действительно, его стиль по мере развития претерпевал значительные изменения и дважды кардинально обновлялся, подобно тому, как это было у А. Скрябина и И. Стравинского. Зрелый и поздний его стиль вообще невозможно отнести к какому-либо из стилистических течений авангарда того времени, он выходит далеко за рамки постромантической традиции, и впитывая достижения авангарда и импрессионизма, остается своеобразным и уникальным, неповторимым и не имевшим аналогов. Его часто любят упоминать в паре с Людвигом ван Бетховеном, который точно так же был воспитан на венском классицизме, но являл собой абсолютно индивидуальный, чуждый романтическому созерцанию, стиль.

Ранний период Рахманинова был начат с позднего романтизма и произведений Чайковского. Первый пример творческого синтеза тех традиций романтизма, что он почерпнул у Петра Ильича, с современной цыганской и бытовой музыкой и церковной традицией были реализованы в Трио ре-минор (1893). Это полистилистическое произведение символически передает традицию от Чайковского – Рахманинову, предоставляя путь в новый этап развития русской музыки. Но более смелая попытка соединить разные стили, реализовавшаяся в Первой Симфонии, потерпела неудачу и провалилась на премьере.

Зрелость отмечена стилем, в котором четко просматривается и поздний европейский романтизм, и русская песенность, и интонационный багаж знаменного распева. Все это хорошо выражено в известных Второй симфонии и Втором концерте, а также в фортепианных прелюдиях ор. 23. Дальше, начиная с сочинения «Остров мертвых» в жанре симфонической поэмы, стиль Рахманинова только усложняется. Это вызвано и претворением достижений неоклассицизма с импрессионизмом и новыми фактурными приемами, и обращением к тематике модерна и символизма. Центральное творение зрелости - поэма «Колокола» для солистов, хора и оркестра, имевшая грандиозные масштабы и написанная на слова Э. По в переводе К. Бальмонта. Новаторский стиль, наполненный новыми оркестровыми и хоровыми приемами, оказывает влияние на всю симфоническую и хоровую музыку ХХ столетия. Тематика «Колоколов» более типична для искусства символизма, для данного периода творчества Рахманинова и русского искусства в целом. Здесь отображены разные периоды жизни человека, и символика, несущая идею Конца Света. Последняя даже предположительно повлияла на «музыкальное» сопровождение Томаса Манна «Доктор Фаустус».

Поздний период творчества, проведенный за рубежом, наиболее своеобразен. В это время из целостного сплава самых разных и иногда противоположных элементов - таких как традиции русской музыки и джаза, виртуозного стиля девятнадцатого столетия и авангардной токкатности, знаменного распева и «ресторанной музыки» - формируется стиль Рахманинова. Во всем этом скрывается философский смысл – жестокость, абсурдность бытия в мире того времени, утрата духовных идеалов и ценностей. В произведениях этого периода превалирует загадочная символика, глубокий философский подтекст, смысловая полифония.

Все это особенности ярко воплощает в себе последнее произведение автора – «Симфонические танцы», которые часто сравнивают с «Мастером и Маргаритой» М. Булгакова, законченным между всем прочим в то же время(1941 год).

Рахманинов сумел объединить множество стилистических и тематических направлений с самыми разными тенденциями русского искусства, создав Русский национальный стиль. Он обогатил русскую музыку и был одним из немногих, кто вывел национальную традицию на новую ступень. Его интонационный багаж знаменного распева обогатил интонационный фонд всей музыки. Рахманинов был одним из первых, чьи произведения для фортепиано исполняются множеством пианистов всего мира.

Как пианист, Рахманинов определил отличительные черты русской фортепианной школы:

Глубокая содержательность исполнения.

«Пение на фортепиано» (здесь подразумевается имитация фортепиано вокальной интонации и звучания).

Внимание к интонационному богатству всей музыки.

После него остались эталонные записи многих произведений мировой музыки, по которым учатся многие поколения музыкантов.

Генри Compositor ID: 24

Генри Перселл (Purcell) появился на свет 10 сентября 1659 года. Произошло это в Лондоне, в семье музыканта. Он мог бы быть ирландцем, но его предки вынуждены были покинуть этот зеленый остров и перебраться в Англию. Отец, Томас Перселл, был музыкантом при дворе Стюартов и слыл хорошим певцом капеллы, лютнистом, также владел искусством игры на виоле. Его сын, проводя свое детство в придворных кругах и сталкиваясь с музыкой каждый день, с ранних лет начал проявлять блестящие музыкальные способности. В возрасте 6-7 лет он поступил в королевскую капеллу, где его научили вокальному искусству, композиции, игре на харпсихорде (музыкальный инструмент внешне напоминающие клавесин либо современное пианино) и органе. Среди учителей были такие знаменитости, как Пэлэм Хэмфри, Джон Блоу. Переступив рубеж 20-ти лет, он получил общественное признание как отличный музыкант с выдающимися вокальными данными. В 1679 году Генри был приглашен на пост органиста в Вестминстское аббатство. Позднее, в начале 80-х годов, он также стал органистом в королевской капелле, в той самой, в которой начал свое музыкальное образование. С каждым днем его популярность росла, каждый хотел прикоснуться к его музыке. Лондонская богема ─ актеры, музыканты, поэты, простые торговцы и ремесленники ─ стала его публикой. Там он находил друзей и заводил нужные знакомства. Его слава росла как на дрожжах. В тоже время он оставался придворным музыкантом и должен был общаться с аристократами и чиновниками ─ этот мир для него был абсолютно чужим и полным интриг. Находясь на грани этих двух миров, он тянулся душой к простому люду.

В 80-х годах XVII века, когда период Реставрации подходил к концу, Генри Перселла ожидал поразительно быстрый и динамичный расцвет как композитора. Новые произведения рождались с лихорадочной скоростью, не успевая распознаться и надоесть публике. Они переливались разными жанрами и темами, могли быть схожими, а могли быть и вовсе противоположными. Свой новый материал он черпал отовсюду: свидание с девушкой, прогулка под луной, гульба в таверне, празднование дня рождения, дискуссии в кэтч-клубах или просто отдых дома. Проводя свободное время с городскими людьми искусства, Генри часто любил хорошо гульнуть и подебоширить. В одной таверне, где он нередко встречался с друзьями, установили в его память портрет. Однако, создавая свои демократичные, шаловливые, иногда сатирические песни, он также творил кантаты, оды и другие высокие сочинения на патриотическую тему, нередко посвященные королевской семье и другим знатным особам в честь их дней рождений или каких-либо других дат.

Генри Перселл считается одним из известнейших и великих композиторов-песенников. Он создал огромное множество песен разных жанров и тем, как для простого прослушивания, так и для театральных постановок. Количество его работ исчисляется сотнями. Еще при жизни ему приписывали фактически всеанглийскую популярность.

В его творчестве следует выделить особое место для насмешливых, хитроумных и колких песен-эпиграмм и песен-сатир, в которых он осмеивает мелких и низких дельцов того времени, иронизирует придворный свет, раскрывая его пороки и интриги, опускает пуританских ханжей. Попадаются песни, где автор осуждает парламент (кэтч «Собрался совет Всеанглийский») либо порицает самого короля (дуэт «Саранча и муха»).Но также в творчестве Перселла есть и официально-верноподданнические заздравные опусы, без которых нельзя было обойтись в те времена, особенно в его служебном положении.

Среди его работ можно встретить большое количество песен посвященных простому люду, их радостям и горестям, повседневной жизни. Создавая портреты бездомных бедняков своей родины, он показывает жизненную правду, не скрывая жестокой реальности.

Генри сочинял героические песни, прославляя в них подвиги и страсти современного и прошлого времени, выражая в них свою мужественность, смелость и уверенность. Чего стоит одна только его «Песня узника» ─ своевольная и романтичная, она никого не оставит равнодушным.

Среди сюит и трио-сонат Генри Перселла, а также вариаций для клавесина и струнного ансамбля (в которых он был первым в Великобритании) присутствуют и композиции духовные. Это церковные интерлюдии для органа, псалмы, антемы, мотеты и гимны. Антемы занимают центральное место в его творчестве, представляя собой царственные гимны на тексты псалмов. Он смело вносит в них светское концертное начало, создавая таким образом новое модное течение среди высших сословий Англии во времена правления Карла II. Его антемы трансформировались в значащие композиции концертного плана, неся в себе яркие нотки гражданского характера. Такое преобразование духовной музыки подняло бурю среди духовенства и пуританских кругов. Генри пришлось противостоять им.

Напряженная творческая работа и угнетающие обязанности придворного, а также рассеянный образ жизни начали истощать жизненные силы маэстро. Вместе с этим его начало возмущать несерьезное отношение знати и богатых слоев Британии к музыке. Для них это было просто приятной забавой, а не языком души. Перселл ожидал, что когда-нибудь его соотечественники начнут серьезней относиться к значительности музыкального искусства. В предисловии к своим трио-сонатам он написал замечание, что им стоило бы уже сейчас начать тяготиться тем легкомыслием и ветреностью, которые так характерны соседям-французам.

В 1688 году произошел парламентский переворот. С трона сошел Иаков II, а на его место воцарился Вильгельм Оранский. Это всколыхнуло музыкальную жизнь страны. Новая власть установила более строгий режим, изжив беззаботность и легкомыслие у народа. С таким уставом появилось равнодушие к музыке. Печальные события того времени погребли под собой органное и клавесинное искусство и со временем начали наступать на театр. Генри Перселл на тот момент овладел почти всеми вокальными и инструментальными жанрами. Видя ситуацию страны, он не смел полагаться на помощь и покровительство правителей. Поэтому композитор кинул все свои силы на создание театральной музыки, таким образом возрождая ее. Благодаря этому, она стала вершиной его творчества и не стерлась потоком времени. Он стал объединять драматическую композицию масок и традиционное музыкальное оформление публичного театра, задействовав при этом опыт зарубежных мастеров. Однако многие не понимали и не принимали творчество Перселла, оставляя его без должного внимания.

Среди таких вот незамеченных произведений была опера «Дидона и Эней». Генри сотворил гениальное произведение - первую настоящую оперу в Англии. Ее источником, как не трудно догадаться, стала всеми известная древнегреческая эпическая поэма Вергилия Марона «Энеида». Автор задумал ее на либретто Н. Тэта, одного очень известного поэта того времени. Опера «Дидона и Эней» состоит из 38-и номеров, 15 которых занимает хор. Он является лирическим повествователем драмы, советником главной героини, ее окружением.

В этом произведении выразилось все мастерство Генри Перселла. Он ловко объединил различные жанры, совместив простой, но острый народный язык с тонкой глубокой лирикой, смешав выдуманный феерический театр Шекспира с жестокостью повседневной жизни. Англичанам больше всего нравится прощальная песнь Дидоны (пасакалья), которая считается одной из самых прекрасных арий в истории музыки.

Идея «Дидоны» пропитана глубоким гуманизмом. Главная героиня становится жертвой человекоразрушения, игры темных сил, по-шекспировски динамичной и острой. Автор раскрывает характер героини в свете жизненной правды, изображая ее обаятельной и хрупкой. Благодаря ей, произведение можно назвать воспеванием человеческого бытия.

Несмотря на свое великолепие, в то время опера была показана публике лишь единожды и даже не в театре, а в одном из пансионатов для благородных девиц, который находится в Челси. И даже в XVIII веке она не стала популярной. Только 2 раза спектакль ставился в театре. Лишь по прошествии более ста лет после смерти гениального музыканта опера «Дидона и Эней» заняла заслуженное место среди известных и всеми любимых постановок в Великобритании, а через некоторое время и во всем мире. Такое развитие событий автор сам напророчил своему творению еще при его рождении. Он говорил, что эта музыка - еще младенец, который, подрастая, раскроет все свои таланты и даст почувствовать кем способен стать и в конце концов покорит весь мир. Здесь главное, чтобы мастера и учителя не зарубили успех на корню.

Оставаясь приверженцем простого люда, всегда сочувствуя и помогая им, Генри Перселл все дальше и дальше отдалялся от жизни королевского двора, отдаляя от него и свою музыку. Количество создаваемых композиций для придворных концертов постепенно уменьшалось. Там не прижились его мелодии, пропитанные народными традициями и романтикой. Богатые люди отказывались понимать проблемы простолюдинов. Имея хороших знакомых и друзей среди «великих», он устроился работать в небольшом театре на Дорсет-Гарден, который пользовался большим спросом среди простых людей и был доступен каждому. Там он занялся постановками театральных пьес, работая с разными режиссерами, драматургами, нанимая актеров и участвуя в спектаклях в качестве актера и певца сам. Он обладал прекрасным голосом — басом. Он хотел создать большой высокохудожественный, доставляющий радость народу, оперный театр, который спонсировался бы правительством. Это было его мечтой. Но, к сожалению, власти не поддерживали его и развитие театра почти стояло на месте. На этой почве он серьезно поссорился с теми кругами высшего общества, которые помогали ему жить, от которых зависела не только его музыка, а музыка Англии в целом.

Можно с уверенностью сказать, что этот конфликт был одной из причин преждевременной трагической смерти великого маэстро. По одной из версий, он умер от туберкулеза, но болезнь могла быть иной и исходить из душевной раны, которую оставила музыкальная трагедия. На тридцать шестом году своей жизни, 21 ноября 1695 года Генри Перселл скончался.

Всемирная слава и популярность настигла Генри уже после его смерти. По прошествии трех лет вышел сборник песен под названием «Британский Орфей». Людям так нравились произведения, что сборник выдавался множество раз, а песни заучивались на память. Таким образом, народ принял талант удивительного композитора и воздал ему должное.